Искусство высшего пилотажа: формы и смыслы парка скульптур EXPO

Часто люди приходят в галереи и музеи специально для того, чтобы посмотреть на предметы искусства. Они ожидают увидеть там картины и скульптуры, ожидают, что это вызовет определенную реакцию, они ожидают провокацию, они готовы думать о чем-то отвлеченном, о чем-то абстрактном. Но иногда искусство выходит на улицы. Так было с передвижниками, которые путешествовали по России и показывали свои работы простым людям. Так это происходит и на территории EXPO, где произведения искусства "разбросаны" по всему его периметру. Здесь можно не только потрогать и сфотографироваться с работой художника, но и посидеть рядом или даже на произведении искусства. Возле этих скульптур нет предупредительных надписей "Не трогать!", наоборот интерактивность — одна из главных черт этой летней выставки.

Корреспондент BaigeNews.kz посмотрела на скульптуры и инсталляции, которые с июля и до конца сентября жители и гости столицы могут увидеть на улице совершенно бесплатно рядом с Музеем энергии будущего NUR ALEM. Эта выставка известных казахстанских и зарубежных художников наряду с фотозоной, аллеей цветов, открытой библиотекой и живыми выступлениями музыкантов — часть проекта QazExpoCongress и Евразийского культурного альянса, приуроченного к 30-летию независимости Казахстана.

Первый заместитель председателя правления QazExpoCongress Даулет Еркимбаев объяснил, как возникла идея такого масштабного проекта.

"На 74-й ассамблее ООН 2021 год был выбран годом креативной индустрии, которая сегодня является серьезным драйвером всей мировой экономики. В нее входят такие направления, как мода, киноиндустрия, IT-сфера. В связи с этим и в честь 30-летия независимости Казахстана в этом году QazExpoCongress решил на территории делового центра EXPO организовать выставки и мероприятия, связанные именно с креативной экономикой. Все это делается для удобства посетителей нашей территории. Таким образом мы хотим, чтобы территория EXPO стала не только деловым и финансовым центром, но и пространством максимально благоприятным для всех гостей", — сказал Даулет Еркимбаев.

Сооснователь Евразийского культурного альянса, куратор и арт-консультант Владислав Слудский рассказал про некоторые из этих работ более подробно.

Сначала мы посмотрели новые работы скульпторов, которые были сделаны в 2021 году, эти скульптуры "прописались" здесь теперь уже на постоянной основе и стали как бы "новыми постоянными скульптурами". Но перед этим куратор пояснил значение такого направления как паблик-арт для развития городской среды.

Стоит также подчеркнуть, что перед тем, как продолжить свою карьеру в качестве независимого арт-консультанта Владислав Слудский возглавлял Ethan Cohen Gallery в Нью-Йорке, где он организовал и со-курировал персональные и групповые выставки таких значимых художников, как Ай Вейвей, Шу Бинг, Сунь Юань и Пэн Юй, Яёи Кусама, Энди Уархол, Джон Кесслер, Жанг Хуан, Гу Дешин, Цинь Фен, Гонзало Мабунда, Абудия, Моффат Такадива и Хью Хэйдан среди прочих. И поэтому его рассказ о культурных новациях на EXPO получился насыщенным и весьма объемным для слушателей.

"Все это сделано для того, чтобы связывать архитектуру. Есть такой термин "human scale" ("человеческий масштаб"). Это про разные приемы которые делают территорию приятную для пешеходов. Без таких визуальных магнитов эта строгая, большая, доминирующая архитектура EXPO могла бы рассыпаться. А они служат такими визуальными мостиками, которые делают это пространство приятнее и человек, возможно, подсознательно хочет снова сюда приходить", — объясняет Владислав Слудский.

В каком-то смысле паблик-арт — это, может быть, высшая точка признания профессионализма художника, считает куратор. Потому что бывает, что художники даже с точки зрения производства не понимают, как это делается. И человеку нужно прожить определенный опыт как художнику, прежде чем начать работать с городом.

"Все-таки вначале пространство художника — это галерея, к примеру. А публичное городское пространство — это уже высший пилотаж. Потому что здесь задействованы интересы многих групп — и арендаторов, и пешеходов, и акимата города. Так что, это дело тонкое. При этом в Казахстане не так много современных художников, их около 40-50 человек. Это люди, которые встроены в международный дискурс. То есть, они участвуют в биеннале (художественных выставках, фестивалях или творческих конкурсах, проходящих раз в два года), участвуют в важных выставках по всему миру. Такие люди могут понять, как создавать арт-объект, который можно было бы причислить к паблик-арту", — говорит Владислав Слудский.

"Новые постоянные скульптуры"

Первая скульптура, с которой началась наша экскурсия на открытом воздухе — работа российского художника Валерия Казаса под названием "Удержание красного". Она относится к девяти постоянным арт-объектам, которые представлены на территории EXPO.

"Здесь можно вспомнить историю с супрематизмом и, наверное, самую важную работу XX века "Черный квадрат" Казимира Малевича. Это традиция до сих пор живет. Таким образом, художники развивают важный визуальный язык, и это часто про форму и цвет. Часто после того, как художник находит эти визуальные коды, это уже перетекает в фэшн-индустрию, в дизайн, в одежду, которую мы носим, города, в которых мы живем. В своей работе Казас продолжает традицию супрематизма", — объясняет широкий контекст, в котором существует эта скульптура, сооснователь Евразийского культурного альянса, куратор и арт консультант Владислав Слудский.

Действительно, в супрематической работе Казаса, в первую очередь, мы видим яркое пятно красного цвета, "удерживаемого" сверху и снизу бесцветными металлическими прямоугольными фигурами. Здесь нет сюжета, который люди сходу могут считать, нет здесь и подсказок в виде слов или изображений. Скульптура максимально минималистична, все, что мы можем понять и почувствовать, доступно нам только через цвет и форму.

"Если мы вспомним Древний Рим или язык скульптуры до XIX века — это как правило фигуративные вещи, это какие-то истории, это способ архивировать память. В XX и XXI веках эта ситуация меняется, на улицах таких городов, как Лондон, Нью-Йорк, Париж мы все чаще видим абстрактные формы, лишенные каких-то конкретных сообщений, но которые как бы разговаривают утилитарным и универсальным языком, на которым мы тоже разговариваем — мы все можем отличать цвет и форму", — рассказывает Владислав Слудский.

Следующая работа создана алматинской художницей Аленой Веселовой [welar] и называется "Стая взлетающих фламинго". Эта инсталляция неслучайно расположена напротив офиса Международного финансового центра "Астана". Стоит заметить, что есть разные способы взаимодействия художника, города и общества. Иногда город выставляет или покупает уже существующие работы, а иногда, как в этом случае, искусство делается под место или под какую-то идею. Фламинго — символ МФЦА и художница создала эту композицию специально для этого пространства.

"Животное — это первое, что начал изображать человек, еще на наскальных рисунках. Например, во Франции в пещере Шове есть известное изображение лошадей, которое было одним из первых изображений животных в искусстве. И мы до сих пор этим занимаемся, до сих пор их изображаем", — рассказывает куратор.

В случае с Аленой это очень графические и минималистические скульптуры. Художница работает на стыке индустриального дизайна и искусства. Здесь показана стая взлетающих фламинго, это такой момент реверса, когда птицы отталкиваются от поверхности.

"Важно еще сказать, что это перелетные птицы, вектор их передвижения по планете Земля часто совпадал с Шелковым путем. В этом смысле, это близкая Казахстану птица, она здесь недалеко гнездится. Кроме того, это и метафора глобальной экономики в том, что Шелковый путь — это первая трейдинговая система в мире, первый большой механизм обмена товарами и сервисами. И здесь есть много финансовых инструментов. Люди, которые снимают здесь офис имеют прямое отношение к трейдингу, к глобальной экономике. И вот появилась мысль как-то это символически подчеркнуть. И фламинго оказались очень кстати", — объясняет Владислав Слудский.

Дальше переходим к работе художника из Санкт-Петербурга Андрея Люблинского, которая называется "Пиксельные айтишники". Пиксель — это единица восьмибитная, это то, из чего состоят все цифровые изображения в мире. Наш глаз может этого не видеть, но RGB (red, green, blue) colors (цветовая модель, описывающая способ кодирования цвета для цветовоспроизведения с помощью трех цветов которые принято считать основными — прим. ред.) — это точки, миллионы которых мы видим каждый день на наших экранах.

И вновь куратор предлагает нам исторический экскурс для понимания этой, казалось бы, простой инсталляции.

"В 2014 году в коллекцию нью-йоркского музея MoMA (англ. Museum of Modern Art) — самого важного музея современного искусства в мире — купили компьютерные игры. И многие люди искусства были в шоке: "Как же так, у вас в коллекции Энди Уорхол, а теперь — компьютерные игры?" Но чем же руководствуется MoMA, когда их покупает? Они говорят, что это такой же важный визуальный код человечества, как и картины. Мы это понимаем, и мы это хотим сохранить, так как функция музея — архивирование", — рассказывает Владислав Слудский.

И питерский художник сделал из этого целый язык. У него много портретов известных личностей, которые сделаны из пикселей. И здесь возникает вопрос про когнитивные функции мозга человека — с какого момента мы угадываем изображение. Насколько мало красок и цветов возможно использовать, чтобы все равно можно было понять о чем идет речь? Насколько простые формы можно использовать с тем же эффектом?

"Если реализм прятал мазок и художники прошлого пытались передать реальность, то в цифровую эпоху, в которой мы живем, реальность можно передать самыми быстрыми и эффективными методами. Здесь мы видим минимум цветов, минимум форм. Из бруса одинакового размера выполнены и руки, и ноги, и голова этих человечков", — говорит сооснователь Евразийского культурного альянса.

По его словам, это тоже site-specific art, то есть, пространственно-чувственное искусство, которое создано для конкретного пространства. Один человечек сидит на лавочке, у него происходит коммуникация с другим через электронные девайсы, то есть через пиксели, из которых они сами как будто бы и сделаны.

"Это также и про масштаб человека, потому что многие годы публичная скульптура была отделена от пешехода. Это был какой-то пьедестал или площадь звезды, и была очень четкая разница между наблюдателем и наблюдаемым, мы друг от друга далеко. Там, как правило сидел какой-то правитель на коне, и это было про манифестацию власти. Сейчас искусство становится демократичным. И эта работа как раз пример того, что человек сошел с пьедестала и он среди людей, его можно трогать, с ним можно фотографироваться, он в горизонтальной коммуникации со зрителями, а не в вертикальной, как было раньше", — объясняет Владислав Слудский.

Схожая по тематике, но несколько отличающаяся по исполнению — следующая скульптура, представленная на территории EXPO. Это работа Анастасии Силкиной "Компьютерные клавиши", которая сделана из бетона, но не совсем обычного бетона, а декоративного — он кажется мягче и легче, хотя, конечно, это иллюзия.

"Пиксельные айтишники" и "Компьютерные клавиши" расположены рядом и концептуально связаны с IT University и Astana Hub, потому что именно здесь сидят люди к компьютерам имеющие прямое отношение. Так что, это тоже пространственно-чувственная работа.

"Основное отличие искусства от дизайна — наличие функции. Если есть функция, то это территория дизайна и архитектуры, если функции нет — это искусство. И эта работа, находящаяся почти на границе. Функция есть, ты на этом сидишь и тебе хорошо. И это не тривиальная лавочка, а что-то другое. Но это и искусство, потому что это прием, которым оно часто пользуется — это увеличение или уменьшение размера. То есть ты берешь обычный объект из повседневности и делаешь его искусством через такую интеграцию — берешь и увеличиваешь", — добавляет Владислав Слудский.

Приятным дополнением к скульптурному ансамблю стала открытая библиотека, которая расположилась на улице среди офисов. Ее коллекция состоит из книг фонда Евразийского культурного альянса, которые собирались годами: что-то привезли из зарубежных поездок, что-то покупали в местных книжных магазинах. Здесь представлен смешанный формат — можно почитать как бумажные, так и электронные книги.

"Бумажные книги можно взять у наших волонтеров или же через QR-коды можно скачать pdf-экземпляры себе на телефон. Мы купили авторские права на электронные книги, и здесь есть тексты на русском, казахском и английском языках. В основном, это классика, которую стоит перечитать. А в бумажном формате больше представлены современные книги, которые касаются теории и истории искусства, урбанистики, архитектуры, то есть, как раз той креативной экономики, о которой упоминалось ранее", — говорит Владислав Слудский.

Временная экспозиция паблик-арта

Следующие работы, про которые нам рассказал Владислав Слудский, принадлежат к временной экспозиции паблик-арта, их жители столицы смогут увидеть до конца сентября. Большинство из этих работ были сделаны в ранних 2010-х.

Среди этих арт-объектов — "Энергетические буйволы" Мурата Дильманова.

"Эту работу Дильманов сделал в 2012 году, она была выставлена на фестивале Артдокфест в Алматы. Время от времени он ее перекрашивает. В истории искусства считается, что с 80-х началась эра продакшна. Такие художники как Джефф Кунц, Аниш Капур делают невероятные вещи и шокирует зрителей именно тем, как сделаны их работы. "Быки" Дильманова продолжают эту традицию. Они очень мясистые, пластика здесь редуцированная. В таких скульптурах очень важно поймать форму. На самом деле достаточно сложно показать скелет изнутри. Когда мы говорим про «Давида» Микеланджело, там видна каждая мышца. Он нашел мышцу от мизинца, которую медики потом нашли почти через 300 лет. То есть, никто не знал, а художник знал. Так что важно то, как скульптура сделана с точки зрения физиологичности", — прочерчивает исторические аллюзии куратор выставки, поясняя скульптуру современного автора.

Следующая скульптура временной экспозиции — работа Молдакула Нарымбетова "Автомобиль твоей мечты" 2011 года. Молдакул Нарымбетов был лидером арт-группы "Кызыл трактор", в которую входили самые важные авангардисты Центральной Азии, художники мирового уровня. У них есть галерея в Милане и музейные выставки, они представлены в важных коллекциях в Третьяковке, Музее имени Кастеева.

"Основой скульптуры стал автомобиль Волга, покрытый автомобильными шинами. Шины — это материал, обусловленный в первую очередь своей дешевизной. Здесь соединяются внутреннее и внешнее через материал. Почему именно шины? Он жил под Алматы, где было много СТО. И за неимением денег на мрамор, бронзу и железо, собирал эти шины, потом переплавлял их под высокой температурой — это дело довольно рискованное, потому что это токсичная резина. Интересна мне как куратору связка с нефтью. Пластик, шина — это продукт переработки нефти. К нефти мы имеем большое отношение, но художник, конечно, применяет другую оптику. Это не та нефть, которая торгуется на Уолл-стрит с фьючерсами, а это нефть народная, на которой мы ездим и она в этом смысле горизонтальная, очищенная от идеологии, текстурная, это то, что можно потрогать и то, с чем мы каждый день взаимодействуем", — рассказывает Владислав Слудский.

Сверху автомобиля находится балбал — это камни со святых мест из степей Южного Казахстана. Художник специально поехал туда за ними.

"Вообще он занимался шаманизмом, был потомственным баксы и его основной язык — перформанс. Он ходит с палкой, совершал разные обряды и инициации. И, конечно, там было много юмора, это не обучающий язык: "Я, художник, сейчас расскажу, как тебе жить". Это всегда диалог, вопросы. Например, любимой книгой его и Арыстанбека Шалбаева была книга основателя неосуфизма Идриса Шаха. Ты открываешь книгу, а там пустые страницы", — рассказывает куратор.

Скульптуры, представленные здесь на выставке — это последние работы Молдакула Нарымбетова. В 2012 году он умер. "Волчицу" уже доделывал его сын Сахи, но и здесь видна оригинальная пластика его отца.

Рядом с этими работами стоит скульптура Арыстанбека Шалбаева "Махамбет (Новый герой)", сделанная художником в 2014 году.

"Представляете, как сложно в этом масштабе создавать текстуру лица. Иногда, когда ты лепишь из пластилина человечка — это очень сложно, а сделать такую скульптуру высотой почти в два с половиной метра — особое мастерство. Он сейчас преподает в "Жургеневке" (Казахская национальная академия искусств имени Т. К. Жургенова — прим. ред.), и это тоже важно, что он как-то передает традиции и навыки дальше", — говорит куратор.

Последней работой, которую нам показал Владислав Слудский стала скульптура Саида Атабекова 2013 года "Седло". Материалом для данного арт-объекта послужил искусственно заржавленный металлический лист. У этой работы есть несколько способов инсталлирования. Иногда он ее немного приподнимает и дает угол "Седлу", иногда она представлена как сейчас.

"Здесь играет большую роль текстура. Есть целое движение художников в испанской Каталонии, которые работают с кортеновской сталью, это искусственно заржавленный металл. Это работа — визуально приятная, сочная вещь. И снова мы здесь попадаем на территорию масштабирования, когда объект быта становится объектом искусства через увеличение. Но здесь он также оставил воздух, потому что это важно, чтобы у глаза был отдых, чтобы была ритмика", — объясняет куратор.

Саид Атабеков известен как художник, который, как сказал Владислав Слудский, "обсессивно" любит лошадей.

"Он всю жизнь фотографирует кокпар, это почти документалистика, но там вместе с тем столько художественного. Его заботит идея обратного бренд-билдинга как ответ глобализму и всемирных коммерческих брендов. Почему бы казахстанской культуре тоже не стать таким брендом? Давайте сделаем логотип и будем его использовать. Лошадь и разговор капитализма с традиционными парадигмами — здесь Саид очень хорошо чувствует. И у него много работ с этим связано. Он делает видео-арт и фотографии с кокпаром, с лошадьми, пишет про это картины, делает про это инсталляции", — рассказывает куратор.

Фотографии Артема Чурсинова