Казахстанский национальный постмодерн: фоторепортаж с выставки современного искусства в ЭКСПО

С 9 июля по 5 августа в Музее энергии будущего "Нур Алем" проходит выставка современного искусства под названием "Жизнь вещей". На ней представлено 18 художников и более 30 работ. Организаторы отмечают, что на одной площадке выставляются арт-объекты как мэтров казахстанского искусства, так и молодых авторов, делающих первые шаги в искусстве. Основной акцент выставки сделан на материалы, из которых авторы создают свои произведения – в духе постмодернизма материалом может стать абсолютно все, что поможет художнику выразить свою идею. Корреспондент BaigeNews.kz побывала на открытии выставки и узнала подробнее про работы, представленные на ней.

Ольга Веселова и Владислав Слуцкий из Евразийского культурного альянса выступили в роли кураторов выставки. Альянс – институция, которая последние десять лет занимается развитием современного искусства в Казахстане, подготовила эту уникальную выставку совместно с компанией KazExpoCongress.

Долгое время считалось, что художники – это мечтатели, которые мало на что влияют в сегодняшнем дне. Но, на самом деле, они стали реальными драйверами экономики – через искусство развиваются территории.

"Один из самых распространенных примеров – это то, что, согласно исследованиям, скульптура понижает уровень преступности и повышает арендную ставку в среднем на четыре процента по радиусу пешеходной мили. Это сильно завязано на урбанистике, антропологии, развитии городов. И если мы пройдемся по всем финансовым центрам таких мировых столиц, как Париж, Нью Йорк, то мы увидим, что там есть и галереи, и скульптуры, и музеи", – объяснил Владислав Слуцкий.

И Ольга Веселова, и Владислав Слуцкий выступают как консультанты в том, как лучше вписать арт-объекты в архитектурный ландшафт города, как контролировать человеческие потоки, как активировать уже существующий контент ЭКСПО дополнительными культурными импульсами.

"И эта схема работает, она себя много раз зарекомендовала. Еще один часто используемый пример: культурная программа Олимпийских игр в Лондоне в 2015 году принесла больше денег городу, чем сами Игры. То есть, когда человек идет на выставку, он скорее всего заплатит за парковку, поужинает, если это театр, купит сувениры. Все эти вещи аккумулируют налоги. Это такая акселерация экономики. Она не в чистом виде происходит, как производство и продажа кроссовок, например. Это чуть более сложные механизмы, но они работают. Примерно десять процентов экономики через 20 лет будет креативной экономикой по международному ВВП", – отметил Владислав Слуцкий.

Прошло четыре года с Международной выставки ЭКСПО-2017 и ее территория развивается - появляются новые резиденты, фокус сменился на IT и финансы. Поэтому новый этап развития ЭКСПО требует новых символов.

"Мы надеемся, что новые скульптуры и картины современных художников тоже станут достопримечательностями, и не только ЭКСПО, но и всего города. Пять скульптур уже можно увидеть в пространстве ЭКСПО на улице, часть будет еще в течение лета представлена. Также есть временные интерактивные и художественные инсталляции казахстанских авторов. В рамках этой работы по выходным проходят выступления музыкантов на улице. Есть детские художественные мастер классы", – рассказала Ольга Веселова.

Когда кураторы начали думать, что уместнее выставить в доминантном архитектурном ансамбле, который представляет собой ЭКСПО, они решили раскрыть тему экологии. Но сделать это не такими стандартными приемами по типу как "художники спасают мир", а скорее построить разговор, из чего делается искусство и как оно определяет во многом то, о чем разговаривает.

"Мы собрали произведения авторов где-то с середины 1990-х годов до 2020 года, которые работали в той или иной степени с какими-то не академическими материалами, игнорируя бронзу, мрамор, масло с акрилом – вещи, которые обычно считаются каноном. Мы хотели посмотреть, как художник избежал этого и что он изобрел вместо. Материалы, которые используются художниками – это всегда отражение эпохи, и по произведениям искусства изучаются нравы людей того времени", – пояснил задумку выставки Владислав Слуцкий.

Следующим важным моментом стало расположение выставки так, чтобы зрители смотрели на нее из амфитеатра, как на сцену с полотнами художников.

"Когда мы впервые пришли в этот музей для исследования пространства, мы поняли, что здесь достаточно тяжелое пространство для экспонирования. Как обычно выставляется современное искусство? На белых стенах, так как это лучшее условие, при котором зрителям легче сконцентрироваться на конкретной работе. Здесь, кроме того, что много экспонатов, еще много текстуры - есть зелень, свет меняющийся, движущиеся экраны. Поэтому мы решили экспозицию построить как амфитеатр, с театральной рассадкой. И перед вами словно раскрываются два занавеса на выставку", – объясняет Ольга Веселова

В самом центре выставки представлена работа важного для казахстанского современного искусства художника Молдакула Нарымбетова. Он долго работал в Шымкенте, потом переехал в Алматы, где и творил до своей смерти в 2012 году.

"Последние 10-15 лет своей карьеры он уделял внимание резине, а именно покрышкам, которые он находил рядом с какими-то СТО. Это очень сложный и токсичный материал, из которого не так легко вытащить художественную пластику. Он чаще делал скульптуры из этих покрышек. Восемь из них вошли в постоянную коллекцию Третьяковской галереи два года назад. Это была дарственная частная коллекция Марата Гельмана, который любит и собирает казахстанское искусство", – рассказал Владислав Слуцкий

Картины из шин у художника представлены реже, но кураторы смогли найти довольно редкую вещь - на ней изображены три бия, которые придумали "Жеті жарғы".

"Он практически заходит тут на территорию скульптуры. Это такая живопись, которая настолько текстурная, мясистая и, я бы даже сказал, маскулинная, что она завоевывает 3D-пространство", – объяснил Владислав Слуцкий.

"На этой выставке, как и в принципе в искусстве, всегда много магии, чего-то необъяснимого. Так случилось, что накануне открытия этой выставки обнаружилось несколько новых работ Молдакула, которых до этого мы не видели, поскольку они хранились в Музее имени Невзоровых в Семее. И одна из них – это работа, на которой изображен пейзаж с шиной. И тут мы понимаем, что шины как материал интересовали его еще до того, как он сам придумал, как их использовать", – отметила Ольга Веселова

Шины как материал – перекличка с выставкой экспонатов на улице, находящейся сразу у входа в музей "Нур Алем". Там есть машина из шин Молдакула Нарымбетова - работа 2011 года под названием "Автомобиль твоей мечты". Сверху у него символ, часто встречающийся у художника – Балбал. Он словно посадил пассажира на машину. Еще из шин на территории Экспо представлена скульптура 2012 года под названием "Волчица".

"Еще один смысловой слой на выставке – нефть. Резина и пластик – это нефтяные полимеры, продукты переработки этого сырого материала. И рядом с Молдакулом Нарымбетовым кураторы повесили работу его близкого друга, товарища по легендарной арт-группе "Кызыл трактор" Арыстанбека Шалбаева. Эта картина, созданная в 2000 году, называется "Игра" и на ней имитируется детская игра "Крести-нолики", только здесь поля выложены нефтяными баррелями", - подчеркнул Владислав Слуцкий.

"Шалбаев пишет эту картину, когда пик цены на нефть превышал $91 за баррель, а зеленая экономика, электрокары и солнечные батареи только наращивали свой потенциал. С одной стороны, художник несколько заранее воображает себе развитие альтернативных источников энергии, с другой рассматривает саму идею, где решение одного игрока неминуемо влияет на все последующие решения на рынке", – написано в аннотации к картине

"Один из смыслов этой картины – геополитическая игра за ресурсы Центральной Азии. Нам известно, что с XIX века эту геополитическую игру вели Британская империя, США, Россия, Китай. И здесь художник словно рассказывает про эту игру", – добавляет куратор выставки

На улице стоит еще одна работа художника, которая перекликается с этой картины - скульптура 2014 года "Махамбет (Новый герой)", в которой изображено существо с полулицом человека и полу-баррелем нефти.

Говоря о материалах и о нефти, нельзя не упомянуть пластик - и как нефтепродукт, и как один из главных материалов современности. Сегодня человечество окружено пластиком, что становится проблемой, так как он долго не разлагается.

"Искусство – забавная вещь, которая обычно переворачивает все с ног на голову, и меняет привычное для нас. То, что плохо для экологии, хорошо для искусства. Масло со временем теряет свой цвет, его нужно особо хранить, оно трескается, а пластик живет столетиями, ничего с ним не происходит. И вот известная казахстанская художница Сауле Сулейменова решает использовать пластик в качестве своего материала. Это тоже сложный и токсичный материал", – рассказывает о подходе следующего автора Ольга Веселова

Первую работу из этой серии Сулейменова выставляет в 2014 году на фестивале в Алматы. Тогда это были абстрактные, простые сюжеты, изображающие цветы в вазе.

"За шесть лет она изобретает очень детальный, сложный фигуратив из этого. Начиналось все как абстрактные пятна, а сейчас мы видим эмоции на лицах изображенных людей. Она работает с клеевым пистолетом и детализация потрясающая. На трех полотнах показаны три одинаковые фигуры. Это триптих, его можно выставлять только вместе. Называется он Losing identity ("Теряя идентичность"). Это самые разные процессы, которые модерн и постмодерн делают друг с другом. От парадигмы традиции мы переходим к потере идентичности. Эта картина рассказывает об этом", – объяснил Владислав Слуцкий

Следующая картина Сауле Сулейменовой основана на фотографии семьи Абая.

"На примере таких работ видна академическая школа, через которую проходят современные художники Казахстана. Они ищут свой язык. И насколько высоким должен быть уровень мастерства, чтобы так передавать свои идеи. Причем она не дорисовывает краской, это все создано исключительно из пакетов", – отметила Ольга Веселова

Еще одна важная работа художницы – горный пейзаж Кок-Жайляу. Кураторы просят обратить внимание на интересную перекличку: часто местах отдыха на природе люди оставляют пакеты, а Сауле их собирает и создает свои работы, чтобы показать этот же пейзаж.

В следующей части экспозиции представлены картины Алексея Шиндина. Ковры – важная часть казахской культуры, но художник их видит по-новому. Сюжеты для ковров всегда рождались из быта, повседневной жизни, через них рассказывали истории. Шиндин тоже переносит осовремененный быт на свои ковры, которые сделаны в XXI веке.

Далее в выставке представлены работы Зои Фальковой, которая известна как одна из первых феминистских художниц Казахстана. Отвечая на запросы патриархального общества, художница подготовила картину "Керамический стейк".

"Выставляется она во второй раз. До этого ее выставляли в супермаркете среди мяса. И продавцы жаловались, говорили, что покупатели просят именно этот кусок мяса. Здесь интересно то, что искусство заигрывает с нами, оно действительно, выглядит очень реалистично, и мы не можем понять, где заканчивается реальность и начинается предмет искусства", – рассказала Ольга Веселова

Говоря о материалах, нужно подчеркнуть, что керамика тоже не совсем традиционный материал для высокого искусства. Обыкновенно керамику используют в декоративном искусстве. Но Зоя Фалькова по-новому раскрывает возможности керамики.

"Как институция мы стараемся работать не только со взрослыми художниками, но развивать и молодых художников. В Казахстане, к сожалению, пока нет какой-то образовательной площадки для молодых художников. И поэтому мы стремимся их выставлять уже с мэтрами современного искусства", – отметила куратор

Так, на выставке представили работу начинающей художницы Виолетты Богдановой, созданную в 2020 году.

"Этот год запомнился пандемией, и под давлением этой ситуации, мы начали скупать предметы первой необходимости. Виолетта тоже купила туалетную бумагу, но из нее сделала свою картину. Искусство, наряду с нашей потребностью есть и дышать, тоже является витальной потребностью. Мы не можем жить без искусства. И, мне кажется, этот год без культуры, без эмоций, которые рождаются через культуру, это наглядно показал", – рассказывает Ольга Веселова

Работа Георгия Трякина-Бухарова – одна из самых старых на выставке. Она была создана в 1994 году. Георгий много лет работает с так называемыми ready-made (готовыми) материалами. Это то, что он находит сам или ему приносят в его студию в Алматы, которая завалена разными ржавыми деталями - тем, что мы считаем мусором. Художник, напротив, может в этом что-то разглядеть и у него рождается образный сюжет картины.

"Сложно представить сразу, но это его интерпретация гравюры эпохи Эдо. Работа называется "На прогулке". Здесь идет женщина с зонтиком, хотя на самом деле это его полотенце, на котором Трякин-Бухаров походил ногами. Многие наши художники смотрят на Японию, это важная школа. И при этом перед нами коллаж, то есть формат современного искусства", – рассказал Владислав Слуцкий.

"И можно здесь подумать о средствах выражения. Одной из задач послевоенного искусства был поиск способа сказать большие вещи малыми средствами . Раньше художник мог расписывать Сикстинскую капеллу несколько лет, и темы были очень большими – Бог, любовь. В постмодерне все меняется и художник может размышлять над кажущимися не очень важными вещами. На самом деле, это тоже попытка ухватить кусочек жизни, подумать о микромире, о ценности каждого отдельного человека. И так педаль попадает в историю искусства, это становится частью этих огромных культурных процессов", – объяснил Владислав Слуцкий.

"Очень явственно через работы Трякина-Бухарова видно, какой у художника "другой глаз". Считается, что художники раскрывают нашу способность видеть. Например, считается, что Моне для нас увидел оттенки зеленого намного больше, чем мы знали до этого. Ив Кляйн изобрел особый синий и у нас расширилось восприятие синего цвета. И вообще искусство – это исследование. И художники расширяют наши границы эстетического. И то, что он видел в отпечатках своих пяток японскую гравюру, больше продвигает нас в область эстетического. И они просто первыми это делают. Потому что они исследователи в этой области", – раскрыла мысль своего коллеги Ольга Веселова

Следующая работа, представленная кураторами – картина еще одного представителя арт-группы "Кызыл-трактор" Саида Атабекова.

"Это работа про то, как по-разному можно интерпретировать свой язык и разные символы, как у художника появляется свой почерк. Саид много работает с кокпаром, это его страсть. Он живет в Шымкенте. Сам он не наездник, он художник. И поэтому вся страсть к кокпару выливается в его работы. Мне посчастливилось побывать на кокпаре, и казалось, что кокпаристы не скачут по земле, а летят над землей. Мне кажется, здесь это тоже было перекликание образов", – призналась Ольга Веселова

Работа Куаныша Базаргалиева тесно связана с пониманием человека в глобальном мире, в котором есть центры, куда все стремятся, и периферии, из которых многие стремятся вырваться. Так происходит и в мире искусства.

"Правила игры в современном искусстве по-прежнему задают Нью-Йорк, Лондон, Париж. И в плане развития карьеры художника пиком была бы персональная выставка в MoMA (Museum of Modern Art in New York), когда его признала бы вся мировая академия. Но это сложный и долгий процесс, который критикуют. Многие умные восточные кураторы предлагают делать локальные выставки аналогичные выставкам в MoMA и выстраивать эту инфраструктуру. Но пока этого не случилось, считается, что художники стремятся туда", – подчеркнул Владислав Слуцкий

Поэтому Куаныш Базаргалиев через кошкар муйиз, который является символом казахской идентичности и которым можно "забрендить" какие-то западные нарративы истории искусства, шутит над современностью.

"Он много работает с комкар муйиз, потому что считает, что у него интересная семиотика и форма. Художники со времен Микеланджело занимаются поиском совершенной формы, которая нравилась бы абсолютно всем вне зависимости от культурного бэкграунда. Кошкар муйиз удивительным образом отвечает этой задаче. С точки зрения дизайна или живописи, это очень сочный, запоминающийся символ, который можно разбирать, перекомпилировать, собирать, менять цвета. И Куаныш этим занимается. Эта работа называется «Противостояние серого и темно-серого», и здесь он просто использует гвозди. Глаз выхватывает узнаваемый символ из этих довольно сложно компилируемых объектов. Это тоже большой вопрос абстрактного и фигуративного искусства: с какого момента появляется символ? Когда подсознание может считать что-то в доли секунды?", – объясняет Владислав Слуцкий

Экскурсия по выставке завершилась еще одной работой Саида Атабекова, которую кураторы решили повесить отдельно от остальных картин.

"Эта работа, состоящая из подков, похожа на полицейский щит. Конница – это защитники, поэтому перед нами метафора. Но эта работа, кроме очевидного смысла, привлекает тем, как можно было из подков, такого тяжелого, жесткого материала сделать живопись. Очень красивая работа. И когда мы ее только повесили, сразу поняли, что вокруг нее ничего не должно быть, чтобы можно было сконцентрироваться на ней, чтобы ничего не мешало ее восприятию", – рассказала Ольга Веселова

Художник сделал этот арт-объект немного раньше протестов в Гонконге, когда эта ситуация начала накаляться. И, кроме того, последние три-четыре года заметен рост правоцентристских настроений и в Европе, и в России, и в Америке. Это эпоха, которая рождает протесты гражданского общества.

"И Саид Атабеков сделал серию полицейских щитов, которые, в том числе, были из шкуры барана, из принта цветущей степи с тюльпанами. Это история, помимо всего прочего, про дефункционализацию объекта. Хорошим критерием отличия искусства от дизайна является функция – если у чего-то есть функция, то это дизайн, если функции этой нет, то это искусство. Искусство фундаментально, бесполезно. И в этом его красота. Художник оставляет держатели для руки, но, конечно, ни один человек это никогда не поднимет - щит весит больше 150 килограмм. Так что это искусство, которое чуть-чуть не дотягивает до функции – это почти уже полицейский щит, но не совсем", – сказал Владислав Слуцкий.

Фотографии Артема Чурсинова